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viernes, 21 de diciembre de 2012

Construcciones / Invenciones: De la Suiza Centroamericana al país mas feliz del mundo.

Antonio García junto al artista Rafael Ottón Solís y su obra "Derrumbe".

Pues bien, estuvimos visitando la expo "Construcciones / invenciones: de la Suiza Centroamericana al país mas feliz del mundo" en el Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC), la expo plantea un enfoque desde el punto de vista conceptual y contemporáneo a partir de los múltiples lenguajes de algunos artistas seleccionados por la curadora del museo, de esta forma la expo presenta muchos lenguajes artísticos y técnicas en la obras con referencia a un tema específico.

Aprovechamos la visita y compartimos con uno de los artistas participantes, el artista Rafael Ottón Solís, con el cual conversamos algunos momentos y analizamos su obra llamada "Derrumbe". El trabajo del maestro es una instalación donde presenta un muro pequeño de ladrillos en forma de arco y alrededor de éste arena de construcción, en un sector del muro los ladrillos están acomodados a manera de un "Derrumbe", el artista nos comenta que su trabajo refleja la problemática de la corrupción y el narcotráfico que van destruyendo nuestra sociedad costarricense y desintegrando el asunto de la identidad.

"Derrumbe" (2012) instalación, fotografía del artista.
Rafael Ottón Solís a mi parecer es uno de los pocos artistas costarricenses que trabajan seriamente la instalación y desarrolla conceptualmente sus propuestas de forma excelente. Su trabajo es el fruto de una gran trayectoria, dominio del espacio y el conocimiento de materiales para lograr que sus trabajos sean de gran impacto visual y el espectador se identifique con la obra, formando parte de ella.  La obra como está planteada permite innumerables lecturas, la cual la hace rica como obra artística, permite una construcción infinita de conceptos e ideas con respecto a la propuesta planteada por el artista.
En palabras del artista el muro en forma de arco representa a la colonial ciudad de Cartago y simboliza  nuestra identidad como costarricenses que ha sido derrumbada y modificada (ya sea para bien o para mal), también la arena sugiere la idea de montañas, se desarrolla el concepto transformador y cambiante de nuestra sociedad actual y como se proyecta a futuro. La instalación es bastante conceptual y posibilita muchas lecturas permitiendo un mayor acercamiento al espectador y ser partícipe en espacio y tiempo.

A nivel personal, puedo decir que la expo en general, presenta un abanico de posibilidades y hay para todos los gustos,  algunas obras están muy bien resueltas en mi opinión y presentan un concepto excelentemente trabajado, otras que por el contrario no convencen y me ponen a pensar sobre la exigencia que le hacen a uno como artista en cuanto a calidad de la obra. En ocasiones el arte contemporáneo resulta desconcertante y en lugar de producirte alegría te provoca enojo y hasta en ocasiones desilusión con la institucionalidad del arte costarricense (aunque este es un tema aparte a tratar).

Otro trabajo que me llamó la atención son las esculturas "interactivas" de la artista Karol Rodriguez Araya y el concepto de permitir que el público no solo vea la obra, sino que pueda accionar su mecanismo a manera de juguete y pueda ponerlo a funcionar para reafirmar el concepto que trabaja y sea todavía mas significativo para quien interactúa con la obra.

La obra que acá mostramos se llama la "Bígama"(2012) y representa las relaciones políticas de nuestra nación con sus "amores" (China y E.E.U.U). 

video
En fin, la expo presenta bastante posibilidades de lenguajes y propuestas artísticas en cuanto al tema de Costa Rica y como se analizan conceptos que van desde identidad, nacionalidad, género, etc. Les recomiendo que vaya y analice cada una de las piezas ahí mostradas, no es una expo para ver rápidamente sino de analizar y observar detenidamente porque muchas obras plantean sus conceptos no de forma explícita, sino que requiere un abordaje mas profundo y de observación.

viernes, 7 de diciembre de 2012

Lola Fernandez y Nestor Zeledón: vidas dedicadas al arte....

Nuestra querida capital San José presenta dos exposiciones de gran calibre para ir a visitar. La primera expo se encuentra en los Museos del Banco Central con una muestra retrospectiva de la artista Lola Fernández, en la misma se presentan obras tempranas de sus carrera, periodo abstracto donde integró el famoso "Grupo 8" y revolucionaron el arte costarricense cambiando un poco la idea del arte figurativo por lo que se le conoce como abstracto, además presenta sus famosos "relieves" (como ella los llama) y obra mas reciente.

La expo en sí presenta trabajos muy significativos e interesantes, le recomiendo que vayan y conozcan las facetas principales de esta artista y su aporte al arte costarricense. Solo quiero realizar una observación que realmente me preocupa y es el estado de algunas piezas. Me parece observar daños y pintura craquelada en algunos de sus trabajos. He visto obras de Rembrandt, Goya, Caravaggio (por citar algunas) con este tipo de daños, pero son obras que tienen mas de 200 años de existir y las obras de Fernández en cambio no tienen mas allá de 50 años, de esta manera en mi opinión, si estas pinturas no se restauran o se les da el debido mantenimiento se podrían dañar y no durar ni 100 años. Creo conveniente buscar alguna forma de preservar o restaurar algunas de las pinturas mostradas al público.

Por otra parte nuestro Museo de Arte Costarricense (MAC), presenta la obra de un gran escultor como es Nestor Zeledón, sus esculturas engalana las instalaciones del MAC y en esta ocasión las piezas predominantemente son tallas en madera y el maestro destaca por la gran calidad técnica y conceptual. El trabajo que me agradó principalmente es en la volumetría y la temática de la mano "empuñada" hacia el cielo. 

Las esculturas muestran diversos momentos de la vida de Zeledón y etapas importantes a nivel conceptual e ideológico ya que este maestro del arte es "revolucionario" y también destaca su amor por sus raíces y cultura costarricense. Esta muestra también incluye dibujos y bocetos de gran calidad, también algunas pinturas demuestra que un escultor bueno también debe saber dibujar. En esta exposición me parece que hay una mejor distribución museográfica de las piezas y a nivel didáctico ha mejorado el museo, porque las piezas poseen la ficha técnica y algunas explicaciones a nivel visual facilitan al espectador para que "dialoguen" con las obras.

En fin, para este diciembre les recomiendo que vayan a ver estas exposiciones de arte que son de gran calidad no solo técnica sino por su contenido conceptual.

lunes, 19 de noviembre de 2012

De visita al maestro Zuñiga.

Esta semana se recuerda el centenario del natalicio del gran artista costarricense don Francisco Zuñiga, don "Paco" como se le recuerda, le tocó vivir una etapa complicada de la Costa Rica del siglo XX. Al igual que otros artistas fue duramente y hasta cruelmente criticado en nuestra tiquicia por sus trabajos innovadores en artes visuales y sus escultura monumentales.

Como otros artistas, se tuvo que refugiar en México donde su talento y maestría artística fue ampliamente reconocido y es considerado hoy por hoy como uno de los mejores escultores latinoamericanos. Lamentablemente el maestro no quiso regresar a Costa Rica y fallece en México en el año de 1998. 

Para celebrar el natalicio de este costarricense cuyo legado hoy perdura, el Museo de Arte Costarricense presenta una expo de algunos de sus bocetos y maquetas donde destaca su excelente dibujo y la volumetría características de un escultor de su calibre.

De mi parte les recomiendo que asistan y aprovechen para conocer la obra gráfico y pictórica de un gran escultor costarricense cuya miopía del "gusto" artístico de la época, no supo apreciar y muchos años después su legado vive y se reconoce su gran trabajo artístico.

Salud Maestro, donde estés.

martes, 23 de octubre de 2012

Proyecto Libro Arte Comunitario

Proyecto de arte conceptual,  Metodología de aprendizaje basado en proyectos  realizado en Ciudad Quesada por los docentes de Artes Plásticas de la Región Educativa San Carlos

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Coordina: Patricia Montenegro

Situación de carácter social
El libro arte debe responder a la pregunta ¿Existen espacios en Ciudad Quesada para que los jóvenes disfruten su tiempo de ocio sanamente?

Actividades
·         Identificar espacios de convivencia por medio de lluvia de ideas
Algunos lugares citados: Institución educativa, parques, plazas, balnearios, cine, centros comerciales, escuelas de danza y música.
·         Cada docente localiza un espacio físico que responda a la pregunta planteada.
·         Interpreta un espacio de convivencia a través de la aplicación de una técnica plástica.
·         Al finalizar se une a otro docente para unificar las dos propuestas, luego se unen a otra pareja para continuar con la unificación de espacios, luego continúan uniéndose en dos grupos de ocho y por último el grupo completo concluye presentando la propuesta conjunta.

·         Se realiza un video del trabajo completo.

jueves, 11 de octubre de 2012

La dinámica semiótica del texto artístico....


Leyendo un fragmento del texto de Lucrecia Arbeláez Gonzalez (2007, p53-p55), establece que en el caso del llamado “Arte contemporáneo”, es a primera vista muy difícil y casi imposible una caracterización del término y con esto coinciden los teóricos del arte porque estamos viviendo los tiempos donde más que nunca, el término “diverso” ha sido el centro del pensamiento humano del siglo XXI.

El arte, desde el fin del renacimiento italiano pasó de ser un simple “adorno” o decoración, para convertirse en imágenes y formas de comunicación visual donde constituyen su propio lenguaje, podemos decir que existe la preeminencia de la pluralidad y es porque los lenguajes no son iguales, su riqueza expresiva es variada y hasta su complejidad constructiva o de diseño pareciera ser distinto.

Si hablamos de “comunicación visual”, más allá del término retrógrada “artes plásticas” (en mi opinión), estamos afirmando que en el arte visual existen códigos y la comunicación surge entre la lectura visual del espectador y la obra como idea, o el concepto del artista. Estos códigos o símbolos se comparten entre las personas que interactúan con la obra, tanto el artista como el espectador, formando lo que se conoce como “cultura visual”. Nuestro planeta está constituido por imágenes y símbolos, algunos de carácter universal u otros de lugares específicos o contextuales y estos son representados muchas veces por imágenes, que al interactuar con una comunidad por algún tiempo se convierte en "cultura visual".

La cultura de la imagen, implica que las personas deben estar alfabetizadas no solo en el área de la literatura y letras sino saber leer imágenes, además de interpretar, utilizar y porqué no, crear las suyas propias. Es por ello que el arte pasa a ser una ciencia y ser fuente de conocimiento, más allá de coleccionar “objetos” y cosas relacionadas a la "belleza" como verdad.

Por ello, la historia del arte es principalmente enfocada a lo visual y lo conceptual a partir de contextos, de manera que por medio de las imágenes la mente se convierte en una especie de ojo interno que al observar, se activa y los asocia con sus iconos interiores o lenguaje interno y es donde los analiza, combina y sintetiza creando nuevos significados a partir del diálogo espectador-imagen.

El arte es parte de la cultura, no puede ser únicamente un entretenimiento, pues surge de la misma necesidad comunicativa del ser humano, el arte por sí mismo es un lenguaje y como tal requiere poseer un espectador alfabetizado y que pueda leer su mensaje y a partir de ello crear nuevos. El arte en sí mismo no es esclavo de la representación, sino que posee un conocimiento y un claro mensaje de comunicación.

Bibliografía:

González, Lucrecia Arbeláez. (2007) La dinámica semiótica del texto artísticoRevista: situArte , [PDF], disponible en: http://200.74.222.178/index.php/situarte/article/view/15938 

sábado, 14 de julio de 2012

En el Certamen Nacional de Pintura...

Este viernes 13 de julio se inauguró en las instalaciones de la Casa del Cuño en la Antigua Aduana en San José el Certamen Nacional de Pintura. La expo está conformada por mas de 200 obras bidimencionales con la técnica de pintura y se podrán imaginar el sin número de temáticas y aplicaciones técnicas. Los trabajos artísticos van desde arte figurativo, poético, abstracto, no representativo, etc, de esta forma se pretende abarcar una muestra de lo que se realiza de pintura en Costa Rica y si les digo, hay arte para todos los gustos.


Antonio García y la profesora Edith Huertas junto a "Tren Apolo".

El Certamen Nacional de Pintura contó con artistas emergentes y consolidados que participaron cada uno con su lenguaje y tema, de esta forma es una muestra variada de buenos trabajos artísticos. En esta expo compartí con algunos amigos artistas como Cynthia Saenz y Carlos Tapia, la inauguración estuvo a cargo del nuevo director del Museo de Arte Costarricense Ricardo Alfieri quien señaló que la muestra es un ejemplo de la diversidad artística que hay en Costa Rica. Por otra parte también pude compartir con mis amigas y colegas de San Carlos Patricia Montenegro y Edith Huertas; en esta expo participamos tres compañeros profesores de Artes: Allan González, Patricia Montenegro y este servidor.



Antonio García junto a la artista Patricia Montenegro.



Mis obras "Tren Apolo" (2011) y "Ochomogo" (2011), son mis trabajos participantes en el Certamen.

Les invito que se den una vuelta a esta muestra de arte pictórico que estará desde el 13 hasta el 15 de julio en la Casa del Cuño y desde el 20 de julio hasta el 5 de agosto en la Antigua Aduana.






sábado, 7 de julio de 2012

Zulay Soto y sus "chunches"

Aproveché un jueves para ir al Museo de Arte Costarricense y conocer un poco mas sobre el trabajo artístico de Zulay Soto. En lo personal me agradó muchísimo su temática del círculo, una forma recurrente en sus obras, no solo a nivel plástico sino también en el formato. El trabajo que realiza con lo que ahora se llama "ensamblaje", me parece sumamente rico en el aprovechamiento de los materiales y las texturas que logra a nivel visual, además desarrolla la temática del calentamiento global y sus consecuencias, un tema muy actual e importante para dar a conocer entre el público en general.

En cuanto a sus series de collage, creo que hay de todo un poco, pero me agradó mucho cuando incorpora el formato circular, a manera de disco de acetato y también a nivel de composición los veo mejor logrados. En esta exposición el Museo plantea un recorrido que agrupa sus series artísticas, mas que ubicarlos en el tiempo, de esta forma no es una expo cronológica, sin embargo, las obras en cuanto a temática guardan alguna coherencia temática entre una sala y otra.

La artista experimenta con materiales no tradicionales e incorpora también las series de billetes de mi infancia a sus trabajos (algo que me atrapó visualmente), donde plantea no solo el billete antiguo sino también aprovecha las intervenciones que sufrieron mientras circularon para brindar un concepto y dar un mensaje al espectador. Esta exposición nos muestra las diferentes etapas de la vida de Zulay como artista y sus innovaciones en cuanto a materiales y posibilidades plásticas.

Para los profesores que estamos viendo en Artes Visuales trabajos de ensamblaje, collage y la temática de arte contemporáneo, recomiendo visitar esta expo y que lo incorporen a sus clases con estudiantes.  

"Años sesenta" Mixta

martes, 3 de julio de 2012

Mis hilos de colores salen de mi estudio....

Saludes amigos y amigas, lectores de mi página!!

Les cuento que estoy muy feliz y lleno de orgullo como "artista visual". Mi alegría radica porque en este mes de julio algunos de mis trabajos artísticos serán mostrados al público en tres lugares distintos y al mismo tiempo. Tal vez a ustedes les sonará un poco egocentrista este artículo que escribo en mi blog, lo cual no es así porque simplemente quiero compartir con los lectores de mi página esta satisfacción y felicidad que me embargan.

"Rompiendo amarras" (2010), de la serie "Lineas del  tren... el regreso.
Desde el pasado 20 de junio se exhibe por primera vez en San Carlos, mi serie artística "Líneas del tren", la expo está ubicada en el restaturante Kbtos que está de los bomberos 75 mtrs al oeste, Ciudad Quesada. En esta muestra hago una selección de mis obras que he trabajado con la temática del regreso del tren a Costa Rica, su pasado, presente y proyección al futuro como progreso. Esta muestra incluye trabajos expuestos anteriormente en la ciudad de Heredia (2010), así como en la ciudad de Cartago (2011), vengase a Ciudad Quesada y disfrute no solo de una rica comida en "Kbtos" sino que también deleite sus ojos e interrelacione con mi muestra artística.

Por otra parte les cuento que continúa el éxito del conjunto de esculturas "El Jardín de los refranes", este proyecto que los realizamos algunos artistas nacionales, ha sido expuesto inicialmente en el Festival Internacional de las Artes, después pasó al Museo Histórico Juan Santa María y continúa su ruta en el Museo Regional de San Ramón, en esta ocasión las esculturas "refraneras" estarán del 2 de julio hasta el 3 de Setiembre. Son esculturas de gran formato y trabajadas con materiales no convencionales donde cada pieza representa un refrán popular en la sociedad costarricense.






Ya para finalizar también les informo que mis obras "Ochomogo" (2011) y "Tren Apolo" (2011), estarán participando en el Abierto Nacional de pintura, esta exposición de pintura nacional estará en la Casa del Cuño en la Antigua Aduana en San José a partir del 13 de julio. Mis obras estarán junto con otros trabajos de diversos artistas nacionales bajo la técnica de pintura.


Les invito que asistan a estos eventos y siempre quiero agradecerles el apoyo al trabajo de este servidor, un abrazo y les espero.


domingo, 27 de mayo de 2012

La percepción y la obsesión.

Otto Apuy, Artista Visual y escritor.

He seguido las múltiples e insistentes razones del señor Paul Woodbridge, respecto al Museo de Arte Costarricense y a mi exposición Trayecto 1974-2011. Eso me ha obligado a aclarar ciertas percepciones o mal interpretaciones, que terminan creando corrientesde opinión mal infundadas.

1-El hecho de atacar irrazonablemente la duración de la misma. Una exposición de este tipo requirió de un arduo trabajo a priori, donde se incluía múltiples actividades paralelas, dirigidas a una población muy grande, escuelas y colegios fuera del área, instituciones y universidades, grupos organizados,turismo, actividades educativas, arte como prevención del delito con policías, artesanos, niños y jóvenes especiales y discapacitados. Se organizaron guiones y se adecuaron temáticas. Se hicieron cientos de tours con charlas del mismo artista, numerosas conferencias, en español e inglés, que incluían vídeos y materiales alusivos. Aquí no pueden enumerarse por su extensión; personalmente estuve todos los meses, varios días a la semana, con una actividad multidisciplinaria, permanente con estudiantes de arte, de cine, de teatro, de videoarte,de diseño y arquitectura, y visitantes en el museo que fueron atendidos directamente por el artista, y personal designado. Esto no puede hacerse en cuatro o cinco meses, y son muestras con carácter extenso, que son incluyentes y accesibles por su duración y alcance.Además se hicieron otras exposiciones paralelas de escultura, pintura,ensambles e interactivas -lo que no puede decirse que el museo estuvo en manos de un solo artista-. Insisto, en que una crítica hace exclusión de esta muestra y sus alcances pedagógicos. Mientras se ha construido un puente armónico, una nueva luz en los artistas emergentes y nuevas generaciones sobre lo invisivilizado. 

2- La dinámica de esta muestra estuvo acompañada de numerosos países,que interactuaron de forma mágica, India, Corea, Japón, China, Rusia,Nicaragua. Soy testigo de que el museo es una entidad viva y muyamplia, no es un concepto de galería estática como quiere hacérsele creer. Fueron numerosos los que participaron en esta muestra, como su integración estratégica al FIA, que le permitió llegar a los 80.000visitantes, todo un récord. Y son testigos del excelente guión que demostraba una ausencia clarividente en el arte contemporáneo, que partía de los años setentas hasta la actualidad. La manera en que estaba mostrada, no era una vitrina de un solo artista, en el sentido de aporte, es lo que muchos jóvenes encontraron con una propuesta visionaria, como podría llamársele a los que propusimos alternativas del uso de las tecnologías. Una visión sobre el cambio de esta generación a la que pertenezco en los inicios de los setentas y posteriores. 

3- Quizá estas críticas del señor Woobridge -porque en arte siempre priva la honestidad- saque a relucir a la postre el trabajo intenso y visionario de su directora, doña Florencia Urbina y de las exposiciones aludidas, como un ejemplo integrador y descentralizador: el ser emprendedora en el arte. El tener una visión totalizadora, altamente educativa e inclusiva al proceso histórico del arte costarricense, y algo que les duele a algunos, que haya puesto el MAC a las manos de un gran público y de nuevos artistas de distintas regiones.

4- La idea de un museo conteniendo un guión histórico, o al menos etapas, de forma permanente, hasta yo lo comparto, y es un sueño que todos tenemos, pero es posible si el Estado financia las condiciones para su viabilidad y permanencia, de manera que no impida el desarrollo de las capacidades a nivel nacional del MAC.Todos los museos carecen de las condiciones tecnológicas actuales de mantenimiento, y muchas instituciones que tienen colecciones casi iguales en cantidad que el MAC. Por eso no entiendo la actitud hacia la directora doña Florencia Urbina, casi de forma obsesiva, sobre una idea que ella misma contempla y sobre una realidad de carencia de presupuesto y posibilidades. Es un proceso abierto donde todos estamos involucrados. La crítica debería dirigirse hacia una solución,no contra la institución, casi con intenciones serruchapisos y oscurantistas, o una perversa moda pre-electoral. De estas causas todos somos abanderados. 

No hay que olvidarse que lo contemporáneo rinde un homenaje al pasado cercano, y revitaliza la obra de los artistas que lo propiciaron, y fueron sus ideas y proyecciones intelectuales los que contaron a la hora del cambio.

domingo, 20 de mayo de 2012

Sila Chanto y su Bitácora de los Oficios.

"Muro"
El Museo de Arte y Diseño Contemporáneo (MADC) recién inauguró una exposición sobre el trabajo de la artista costarricense Sila Chanto, la muestra propone un acercamiento a partir de los temas de investigación en la producción de sus obras plásticas. Sila Chanto lleva a grandes formatos diversas técnicas de impresión como xilografía, cromoxilografía, entre otros, pero en diversos soportes y tamaños. Es una muestra que recorre los principales aportes de Sila dentro del arte costarricense y su continua investigación no solo a nivel técnico y espacial, sino también conceptual y los diversos temas que desarrolla a lo largo de su carrera artística.

vista de la exposición y la obra "Muro"
En el museo se muestran trabajos como Objeto Reprimido (1998), Kiloarte (2007), Paréntesis (2004) y Obra pública (2007) el cual es un tipo de "video-poema" con proyecciones sobre la pared, y no podían faltar dos obras que a mi parecer son mis preferidas: Muro (2000) e inversión histórica (2009). La muestra en sí realiza un recorrido por las principales obras de la artista y maneja como hilo conductual el tema de demarcar, delimitar y en síntesis las acciones que sugieren limitaciones, que plantean un espacio de acción y movimiento, de esta forma no es un trabajo estático, sino que el espectador vive en si mismo la propuesta, ya que lo atrapa y traslada en esta interacción no solo visual, sino también espacial.

Antonio García dentro del "Muro"
En lo personal le reconozco a Sila Chanto el innovar y trasladar en diversos espacios las técnicas de impresión del grabado, una técnica que me lleva a mi adolescencia cuando estudié artes plásticas en el Castella y me especialicé en Xilografía. Su obra me lleva, sin pretenderlo ella a mi adolescencia, cuando trabajaba con mis gubias sobre la madera y dándole forma y vida a mis creaciones. Cada Negro, Gris y esos rojos intensos que están presentes en algunas obras de Sila me llevan a trasladarme a ese tiempo tan especial para mí.

La artista a mi parecer realiza grandes aportes técnicos y conceptuales dentro del arte costarricense, lleva las tradicionales técnicas de impresión a nuevas posibilidades y las incluye dentro del ámbito actual como espacios de pensamiento e interacción visual-espacial. Sus obras tienen excelencia técnica y a la vez maneja conceptos que los plantea desde diversas modalidades, sus trabajos estoy seguro, no se quedan estáticos en un solo tema, sino que la obra misma se reconstruye y renueva con cada espectador, dando nuevos significados y aportes al arte.

Vista general de la sala del MADC
Realmente me encantó el trabajo de Sila y espero que siga adelante cosechando mas éxitos en su vida.
Para ver mas trabajos de Sila Chanto su blog es: http://silachanto.blogspot.com

Créditos:
fotografía principal del "Muro" y vistas de la exposición son cortesía de Adriana Artavia del MADC.

martes, 1 de mayo de 2012

¿porqué Artes Visuales?

Quiero manifestar y dejar escrito en mi página algunas ideas y pensamientos de los cuales tengo sobre algunos términos técnicos sobre el Arte y la Comunicación Visual. Para comenzar, me parece increíble que en Costa Rica se siga utilizando el término erróneo de "Artes Plásticas", cuando se refiere a lo que se conoce como "Artes Visuales", el término "Plástica" se refiere únicamente a lo "bello" como algo verdadero y único dentro de las artes, algo así como seguir diciendo "Bellas Artes", utilizado en el Renacimiento como el concepto de Belleza= Bueno= Verdad (no les recuerda esto algunas películas de Walt Disney).

En los inicios del siglo XX, con el modernismo se utilizó el término de "artes menores y artes mayores", otra descripción ya por dicha superada, "artes menores" se les denominaba a la tapicería, marqueterìa, cerámica, cueros, maderas entre otros y las "artes mayores" a las tradicionales pintura, escultura, grabado y otras. Los conceptos y pensamientos de los seres humanos están en constante cambio, un ejemplo claro era con la astronomía cuando se pensaba que la tierra era el centro del sistema solar y los astros giraban alrededor de ella, con la llegada del telescopio se dieron cuenta que era un error y se comenzaron a plantear cambios no solo a nivel de astronomía sino de ciencia, arte y hasta fe, ya que el Vaticano mandó muy cristianamente a la hoguera a pensadores que no pensaban lo mismo que las "escrituras" o los designios del Papa, o confinándolos al encierro hasta su muerte, que lo diga Galileo Galilei.

El arte no es ajeno a cambios, como anteriormente expliqué el término "Artes Plásticas" como tal excluiría obras no bellas como el cubismo de Picasso o Braque, el Dadá no estaría dentro de esta calificación, Jackson Pollock sería un charlatán, jamás incluir el expresionismo alemán y podría seguir con artistas mas recientes, ni que hablar del período "Contemporáneo". Para hablar del "Arte Contemporáneo" tenemos que hablar de "Artes Visuales", la belleza es un concepto subjetivo, así como la fealdad. El arte como tal es un medio de comunicación que dialoga con el espectador, de allí el término de comunicación visual, es la idea del artista que interactúa con el espectador que debe estar alfabetizado visualmente para poder leer la obra (independientemente sea bella o fea).

Casualmente el MEP (Ministerio de Educación Pública) se contradice con un plan de estudios en arte sobre  la base de "contemporaneidad" y sigue con el término de "Plásticas", contrastando con algunas Universidades Privadas (UCCART y UNICA) que siguen con la antigua forma de pensamiento del arte y no les da la gana actualizarse y seguir los nuevos horizontes del arte, que no es estático, sigue su libertad y parte de ello son los cambios de pensamiento y mentalidad. Hay debates sobre el término visual como peyorativo a las personas no videntes, pero también no podemos negar la realidad que una pintura, un video u otra representación artística visual, no se puede apreciar al menos en forma total con otro sentido que no sea la vista, es como decir que la música es excluyente porque las personas no oyentes o sordos carecen de la habilidad para escuchar.

En fin, este es mi pensamiento sobre el término de Artes Visuales y en contra de la antigua terminología de "plásticas", me podrán decir que "te pagan por dar artes Plásticas" (como me han dicho algunos colegas), sin embargo soy profesor de Artes Visuales, eso estudié y eso es lo que doy... cual es la diferencia: no me limito solo a la técnica como único medio de enseñanza (no son clases de manualidades), sino también el de pensar y analizar obras... además de incluir el diseño como forma/función y las nuevas tecnologías digitales que allí no llegan las Artes Plásticas. 

¿Que seguirá después?, no lo sabemos, pero el Arte como le pasa a todas las disciplinas del conocimiento humano seguirán en evolución y debemos seguir con los cambios de paradigmas, estancarse sería un error.

lunes, 26 de marzo de 2012

El FIA... un momento artístico y de compartir con amigos.

Leda Astorga, Rafael Ottón Solís y Antonio García.
Estas dos semanas del Festival Internacional de las Artes para mi han sido días muy felices, después de meses de trabajo y dedicación, pude mostrar al público mi escultura "Agua que no has de beber... déjala correr", fueron meses de sacrificio, cansancio, dedicación y trabajo que al final fue recompensado por estar presente en esta cita internacional.

Antonio García junto a sus padres: Tony García y Maricela Zamora, además la perrita "Lass"
El realizar esta escultura significa mas que construir un objeto en concreto, significa plasmar tus ideas mediante el arte, además del trabajo y disciplina constantes para poder lograr realizar un trabajo de calidad. El apoyo de mis padres, mi familia, amigos y público en general me dejaron un agradable sabor de boca.

Creo que uno puede soñar y luchar por alcanzar los sueños... además soñar es gratis y te permite plantearte metas para cumplir objetivos y que tu vida sea plena. En mi caso, el soñar me ha permitido luchar por mis ideas y trabajar duro por alcanzar la felicidad, el arte me llena de felicidad y como un niño juego con él, disfruto cada cosa que realizo y trato de hacerlo mejor cada vez.

Antonio García en el desfile de esculturas. FIA 2012.
El Festival me permitió trabajar con personas valiosas como seres humanos, compartir con artistas y también realizar nuevas amistadas, ¡quien se iba a imaginar que el proceso creativo de una escultura a partir de materiales de deshecho trascendiera mas allá del construir el objeto?, la escultura se convirtió en metáfora y la metáfora en praxis.

Gracias Leda Astorga por creer en mí y en mi trabajo para formar parte del Colectivo de Artistas Costarricense y realizar una excelente propuesta escultórica en conjunto, gracias amigos y amigas artistas por siempre brindarme la mano amiga y el compañerismo para compartir este momento especial, gracias a todas las personas que con su apoyo, palabras de aliento y acompañamiento, lograron regalarme estas dos semana inolvidables.

El FIA ha concluido, pero quedan los recuerdos y la alegría/satisfacción por lo vivido y creo, espero en Dios, queden mucho mas por disfrutar.

miércoles, 14 de marzo de 2012

Inauguración de "Redes", expo conjunta de ACAV.



Inauguración ACAV from Admin Festival Costa Rica on Vimeo.

Un video de la inauguración de la exposición "Redes", organizada por la asociación de Artistas Visuales (ACAV), con motivo del FIA. La expo está en la Casa del Cuño en la antigua Aduana en San José.

Lluvia de artes visuales inician el FIA 2012

Junto con la obra de Andy Warhol (la serie de Marilyn).

En mi boca solo existe una frase: ¡¡por favor, no me despierten!! y es que con motivo del Festival Internacional de las Artes en San José se han organizado una serie de exposiciones de arte costarricense e internacional con artistas de todas partes y famosos desde Picasso, Degas, Wharhol y la lista sería larguísima... nada mas les digo que el 17 "viene" Goya, otro gran exponente del arte mundial.

Estos días los he aprovechado para darme un enorme tour y apreciar los trabajos de Arte Visual, estoy sumamente feliz y es porque el FIA como nunca antes le ha dado mucha importancia a las exposiciones y literalmente bañó a San José con grandes obras.

Le recomiendo que vaya y disfrute de todas las muestras artísticas, hay para todos los gustos y por cierto... la entrada es gratuita.


Instalación "Hollow Humans" de Paulina Velázquez.

sábado, 25 de febrero de 2012

Simbiosis de arte y moda se vivió en Ciudad Quesada...

Edith Huertas y Antonio García junto a las modelos Daniela y Sharon mostrando los diseños realizados.
Ayer viernes 24 de febrero se realizó en el Complejo Cultural de San Carlos una pasarela de "Arte y Moda", donde se mostró al público en general, trabajos de arte textil y diseño de modas que realizaron  los profesores de Artes Plásticas de San Carlos (Costa Rica).

algunos diseños y modelos.
Como parte de una capacitación para aplicar en el plan de estudios de primaria y secundaria, se trabajó durante una semana conceptos y aplicaciones básicos sobre esta especialidad de las artes visuales, fue así como los profesores realizaron diseños de diversos motivos como por ejemplo el surrealismo de Dalí, el arte no representativo de Mondrian, Frida Khalo, Egipto, Grecia y la obra de Herberth Bolaños, entre otros.

En mi caso particular, trabajé junto con mi colega Edith Huertas un diseño sobre el trabajo en textil del artista costarricense Herberth Bolaños, principalmente su temática de las "gráficas del agua". Los diseños de nuestros vestuarios (realizamos 2) se basaban en el agua como elemento vital de la tierra como la sangre que nutre el planeta, la flora y la fauna, el agua representada en hilos azules que corren sobre la superficie verde de la tierra y el rojo que simboliza la sangre que sacia y alimenta a los seres que en ella vivimos.

La experiencia fue enriquecedora y me hizo recordar mis tiempos de estudiante de la UNA y en el Castella cuando debíamos realizar diseños para teatro y danza, siempre he creído que el Arte es uno solo... nada mas que para poder estudiarlo en su amplitud debemos dividirlo en "capítulos", pero en mi caso me encanta mezclar y trabajar todo lo que se pueda de esta apasionante área del conocimiento humano.

Felicito a todos y todas las compañeras, que trabajamos arduamente para realizar un producto realmente bueno, a la asesora Regional de San Carlos Patricia Montenegro por organizar la capacitación, a la Regional de San Carlos, a nuestros amigos de la Municipalidad por prestarnos el espacio para realizar la pasarela, a Luis Diego Solano por coordinar la producción del evento y conseguir a las modelos... en fin, a tantas personas que hicieron posible que este tipo de trabajos se desarrollen en la bella zona norte, una zona que se ganó mi corazón. 
Profesores de Arte de San Carlos.
* Fotografías de Elieth Castro Castro.

miércoles, 15 de febrero de 2012

Censuran foto artística en Facebook

La Olimpia de Manet.
Pareciera que este tema ha sido superado en los diversos periodos de la Historia del Arte, recuerdo los cánones  de belleza de la Grecia Helenística, pasando por la Roma imperial y en los alrededores del Mediterráneo... los reiterados escándalos en el Vaticano por imágenes desnudas en los frescos y esculturas, desde la Capilla Sixtina de Miguel Angel que mandaron a posterior tapar con telas las "vergüenzas" del Dios Padre, Jesus y la María... mas adelante la Olimpia de Manet en el siglo XIX, que tuvieron que protegerla porque el artista la pintó tal cual la veía y no le "corrigió" ciertos detalles.

El Discóbolo, Arte GrecoRomano.
En fin, este tema siempre ha sido polémico por diversas razones, desde los conceptos tan ambiguos de la "belleza" y proporción, hasta los pensamientos religiosos hábilmente manipulados por sus dirigentes, pasando por la moda y cumplir con requerimientos comerciales...

Tampoco quiero seguir esto como lo que llamamos en Costa Rica como "retahila" o repetir y repetir lo dicho por muchos, el desnudo dentro del arte tiene su justificación y siempre será del agrado de muchos, así como la censura para otros.

Lo que me motivó a escribir estas líneas fue un hecho que se dio en la red social Facebook no hace muchos meses, un amigo mío subió a su perfil una apropiación fotográfica que tiene de referente la pintura "Ophelia" de Sir John Everett Millais (1829-1896), claro que en una versión fotográfica con sus pechos al descubierto y muerta en el agua... una imagen que evoca la Ofelia del libro de Hamlet de Shakespeare.

Para no cansarlos con el cuento, a mi amigo le cerraron su perfil y le censuraron la imagen... algo que me pareció super retrógrada en el siglo XXI, pensaba que había sido superado ya que ahora nos invaden imágenes no precisamente artísticas, porque su mensaje no pareciera otra cosa mas que vender... pero en fin, eso no lo censuran.

Escribo estas líneas porque me da un "no se qué" en una sociedad tan doble discurso, confundir al Arte con pornografía... el arte sugiere y evoca, la pornografía es explícita y tiene fin comercial: dos conceptos que tienden a confundir.

En fin, reproduzco a continuación la "Ophelia" de Everett Millais junto con la foto que le censuraron a mi amigo.
"Ophelia", Everett Millais.

"Ofelia viva" (Obra censurada en Facebook) foto de Andrea Louzao, fotógrafa española de A Coruña Escuela de Arte y Superior de Diseño Pablo Picasso. A Coruña, Galicia, España.




jueves, 5 de enero de 2012

una tarde de café con Miguel Casafont

Antonio García y Miguel Casafont en su Galería.
El pasado miércoles 4 de enero el maestro Miguel Casafont nos abrió las puertas de su casa para conversar un poco sobre su vida y pensamiento, además conocer de primera mano el trabajo artístico y su regreso a la pintura después de estar de lleno en el mundo gastronómico y la televisión. El maestro Casafont posee una gran trayectoria por medio de diversos medios y técnicas, una constante búsqueda por realizar sus propuestas artísticas, también es educador en la Universidad de Costa Rica y ha trabajado en diversos seminarios y conferencias a nivel nacional e internacional.

sus acrílicos de ventanas y puertas, 2011.
Esa tarde compartimos un rato ameno donde pudimos apreciar sus obras mas recientes y escuchar sus percepciones e ideas en el mundo del arte, esto fue lo que conversamos:

Hablemos un poco con respecto a su expresión: "Me encanta coleccionar imágenes, sonidos y colores (...)", (Casafont, periódico La Nación, 31, 07, 2009).

Como artista parto de mis vivencias, uno cuenta por medio de imágenes. La mayoría de trabajos parten de mi volver a vivir por medio del arte, el arte permite evocar sentimientos. Uno como artista crea, traslada eso de experimentar en diferentes áreas, me dedico a realizar diversos lenguajes.

Sus pinturas mas recientes son ventanas... 

Si claro, el tema de las ventanas es mi anhelo de regresar a la India, las puertas y ventanas de mis cuadros es abrir posibilidades para ir.

Hay una serie sobre corazones...

Pinté ese tema porque era algo que nunca pensé que me fuera a suceder (problema del corazón), fue como un tipo de desahogo. 

Algunos referentes en sus obras...

Pues bueno, yo no repito... pinto en series y cambio temáticas constantemente. Me encanta Diego Velazquez, Andy Warhol (que lo conocí personalmente), David Hockney y otros mas, cada artista tiene lo suyo.

¿Como se inició su influencia de la India y sus viajes allá?   

Todo inició por medio de un trabajo artístico llamado Volcán Irazú y fui invitado a conocer ese país, para mí es como mi segunda casa, me encanta y me impactó en el color, la India es un país de contrastes. Por eso trabajo con colores fuertes.

¿Cual es su opinión respecto a lo que se llama "Arte Contemporáneo en Costa Rica?

Hoy en día hay mucho "fraude" e intereses de mercado, yo he trabajado arte contemporáneo y veo que son lenguajes gastados y en Costa Rica no se adapta, lamentablemente existe mucha copia de lo que se hace a nivel internacional. A nivel internacional lo que hay ahora es un volver a las artes tradicionales, en contraposición a todo esto (arte contemporáneo) que apareció en los 70´s. Como no exige calidad técnica hay mucho fraude, la gente lo disfraza como contemporáneo. 

Una cosa positiva de este movimiento es que "se salió del lienzo" para expresar y realizar cosas nuevas, pero no todos los trabajos de arte contemporáneo en Costa Rica son de calidad, algunos no son artistas sino "artesanos finos", en el sentido que no te dice nada su obra.

¿Como ve el arte emergente y los nuevos artistas costarricenses?

Pues hay de todo, existe gente muy buena y otros muy malos.

¿Como analiza la relación: arte-mercado?

La gente tiene que vivir de algo, el problema se da cuando la gente no es creativa y su obra no comunica nada, porque técnicamente no está bien hecha y es el mismo tema que se repite para vender únicamente y se sacrifica el factor comunicativo de la obra.

¿Cuales son sus proyectos a futuro?

Quiero seguir enfocado en la pintura y la docencia, estoy en una etapa de reposo y de pensamiento, ahora estoy dibujando mucho.

¿Su opinión respecto a los curadores?

Lamentablemente esto se ha vuelto mas que nada en un "concurso de simpatía" o en ocasiones utilizan criterios muy subjetivos para calificar o descalificar obras artísticas.  


Agradecemos al maestro Miguel Casafont por habernos recibido en su casa, pasando una tarde amena de charla y café. 

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